La Fondation Cartier présente une exposition majeure consacrée à l'artiste César, dix ans après sa disparition. Jean Nouvel, en tant qu'architecte du bâtiment de la Fondation Cartier et ami du sculpteur, est invité à choisir les oeuvres et à les mettre en scène, portant un regard nouveau sur l'oeuvre de ce sculpteur qui n'a cessé d'explorer les possibilities formelles et expressives offertes par les matériaux industriels. À travers cette exposition, la Fondation Cartier rend hommage à un artiste avec qui elle a collaboré pendant près de quinze ans, depuis 1984 jusqu'à sa disparition en 1998. Près d'une centaine d'oeuvres parmi les plus importantes de la carrière de César sont présentées: Bestiaire en fer, Compressions, Empreintes humaines, Expansions... Habitée par l'exemple des grands maîtres de la sculpture et structurée autour d'une série de gestes radicaux et novateurs, l'oeuvre de César se place sous le signe d'une résistance à la pensée commune. L'exposition que lui consacre la Fondation Cartier révèle l'influence décisive de son travail sur l'art d'aujourd'hui.

Après Claude Closky en 2005 et Philippe Mayaux en 2006, Tatiana Trouvé est la lauréate de la 7ème édition du Prix Marcel Duchamp. Son exposition redéfinit la géographie de l'Espace 315 pour produire un lieu aux limites insaisissables. Par le jeu des dimensions, des perspectives et des réductions d'échelles, l'artiste trouble nos perceptions. Des couloirs semblent s'étendre à l'infini, une grille métallique, noire, ajourée, découpe l'espace en son centre ; aux murs sont accrochés de nouveaux dessins (issus de la série «Remanence») noirs sur fonds noirs, sur lesquels des formes tracées à la mine de plomb et découpées dans des feuilles d'étain se dévoilent et disparaissent selon certains angles de vue. Les sculptures en bronze se jouent des lois de la physique, une corde se dresse et dessine dans l'air un arc de deux mètres de haut... Tout un monde se déploie ainsi dans des interstices, des intervalles et des transmutations. Le titre de l'exposition, «4 between 3 and 2», met l'accent sur la recherche qui préside à la construction de ce monde, celle d'une dimension intermédiaire - la dimension 4, une dimension temporelle - située entre les dimensions 3 des sculptures et les dimensions 2 des dessins... La mesure du temps s'inscrit physiquement dans la durée de l'exposition, par l'écoulement continu d'un sable noir des murs de sa salle principale; Une telle matérialisation de la fuite du temps nous laisse finalement entrevoir le recouvrement progressif de l'exposition, son effacement inéluctable.

C'est la première grande rétrospective organisée sur Richard Avedon, depuis son décès en 2004. Après le Louisiana Museum, du 24 août 2007 au 13 janvier 2008, et Forma, à Milan, du 14 février au 8 juin 2008, elle est présentée, cet été, au Jeu de Paume Concorde, dont elle occupe l'ensemble des espaces. Cinquante ans durant, Avedon fut l'un des plus grands noms de la photographie de mode. L'exposition regroupe 270 œuvres retraçant l'ensemble de sa carrière de 1946 à 2004 : des photographies de mode bien sûr, mais surtout des portraits de nombreuses célébrités du monde de la politique, de la littérature, de l'art et du spectacle.

Présentée pour la première fois en Europe, l'exposition rassemble, à travers plus de deux cents tirages, le travail éditorial de la célèbre photographe américaine pour les magazines Rolling Stone, Vanity Fair, Vogue, mais aussi ses photographies plus intimes, de sa famille et de ses proches. 'Je n'ai pas deux vies distinctes, dit l'artiste. J'ai une vie, et les photos personnelles en font partie au même titre que les œuvres de commande.' Suivant un fil à la fois chronologique et thématique, l'exposition réconcilie les deux aspects de son œuvre en révélant le récit de sa vie privée en filigrane de son image publique.

Fondateur d'une nouvelle religion, magicien, poète, peintre, Aleister Crowley s'installe dans les années 1920 à Cefalù (Sicile). Il y fonde l'Abbaye deThéléma, lieu d'expériences sociales et de recherches dans le domaine occulte. La série de peintures exposées au Palais de Tokyo a été découverte il y a quelques années dans un village voisin. Certaines d'entre elles évoquent bien sûr «l'Abbaye» ou plus largement son contexte. La série explicite l'importance de l'image et du symbole dans le domaine occulte. Son étude récente atteste de leur lien avec le jeu de Thoth, tarot conçu par Crowley vingt ans plus tard (1938-42). Entre visions oniriques, hallucinations psychotropes et utopie d'un paradis primitif, l'ensemble de son oeuvre a influencé la contreculture autant que la musique pop. La découverte de ces peintures est l'occasion d'interroger la complexité de cet héritage.

Le Centre Pompidouconsacre, pour la première fois en France, une exposition d'envergure à l'architectefrançais Dominique Perrault. Ainsi, après avoir rendu hommage à Christian dePortzamparc (1996), Renzo Piano (2000), Jean Nouvel (2001), Thom Mayne (2006)et Richard Rogers (2007), le Centre Pompidou poursuit son engagement pour fairecomprendre et connaître l'architecture de notre temps en exposant les grandsarchitectes internationaux contemporains. 200 projets étudiés ou réalisés àtravers le monde (vélodrome de Berlin, théâtre Mariinsky II à Saint-Pétersbourg,université EWHA à Séoul, etc.) constituent une oeuvre qui ne se limite pas à unbâtiment, aussi emblématique soit-il, mais invente de nouveaux territories d'expression,s'inscrit dans une recherche permanente, franchit les frontières depuis l'Espagnejusqu'à la Russie, depuis l'Autriche jusqu'en Corée, depuis l'Italie jusqu'aux États-Unis.

Le Musée d'Art moderne de la Ville de Paris présente la première rétrospective française consacrée au peintre britannique Bridget Riley. Depuis le début des années 1960, cette artiste de renommée internationale développe une œuvre abstraite fondée sur l'exploration des effets optiques de la couleur et de la forme. Saluée par plusieurs expositions aux Etats-Unis, en Australie et en Europe, l'œuvre de Bridget Riley reste peu connue en France. La rétrospective du Musée d'Art moderne de la Ville de Paris est donc l'occasion de découvrir ou de redécouvrir cette artiste contemporaine (née en 1931) qui fait aujourd'hui figure de référence. L'exposition s'ouvre sur ses premières toiles inspirées de Seurat et se conclut sur ses œuvres les plus récentes, pour la plupart inédites en Europe. Elle propose ainsi une nouvelle mise en perspective de son travail - en particulier de ses peintures noires et blanches popularisées par l'Op'art. L'artiste a, en effet, toujours marqué une distance vis-à-vis de ce mouvement et, préfère se placer dans la tradition du postimpressionnisme. Le parcours est complété par deux œuvres monumentales et éphémères, conçues pour l'occasion : un dessin mural, Composition with Circles 6 (Compositions avec cercles 6) et Wall Painting 1 (Peinture murale 1).

En 1965, il a cassé les codes de la mode en popularisant la mini-jupe. Mais plus qu'un styliste, André Courrèges est un artiste qui s'intéresse à tous les modes d'expression. Et c'est justement cet aspect de son travail que l'exposition ‘changer la vie' nous propose de découvrir. ‘Je navigue dans un monde fait d'intuition et de sensibilité. Je me dirige vers le rêve cosmique, et j'en éprouve beaucoup de joie, car je suis un rêveur qui essaie d'être efficace dans la mesure du possible', explique André Courrèges. Et en effet, depuis quinze ans, le couturier, né à Pau en 1923, réalise ses rêves en sculptant. C'est donc une quinzaine de ses œuvres qui sera présentée au public. Ce n'est pas tout. Coqueline Courrèges, sa femme qui travaille depuis 1969 à la création d'une voiture électrique nouvelle génération, dévoilera ses prototypes de voitures propres. Une exposition qui allie mode, art et engagement pour ‘sauver la terre et préserver le futur'.

Entre la vanité baroque du XVIIème siècle et un pantin issu d'un rituel mexicain du jour des morts, la sculpture monumentale ‘The Party is Over' de Regis-R présentée sur la mezzanine du musée Beaubourg nous interpelle sur la fragilité de la vie. A la manière d'un vestige archéologique contemporain, ce squelette, composé d'un assemblage savant de plastique de récupération, dénonce l'inconscience joyeuse de notre société de surconsommation.

Un audacieux projet de John Armleder spécifiquement conçu pour le Centre qui donne forme à un souhait d’exposition qu’Armleder n’avait jamais encore pu concrétiser. Celui-ci articule les notions de décor, d’appropriation et fait appel à l’ornement en tant que dispositif conceptuel. John Armleder délégue totalement la réalisation de ce projet au décorateur français de renommée internationale Jacques Garcia dont le registre créatif s’étend du minimalisme zen à la surcharge néo-gothique, de l’exotisme du retour d’Egypte à la folie Napoléon III. Il conçoit pour l’artiste un véritable appartement néo-bourgeois dans ses moindres détails, de l’entrée à la salle à manger en passant par la chambre et le salon. Dans cet espace, par essence privé, mais rendu ici public, des laques chinoises et autres savonneries côtoient des oeuvres de John Armleder, Georges Condo et Helmut Newton. Attaché à l’idée ‘qu’une pièce est terminée conceptuellement avant qu’elle ne soit produite’, l’oeuvre de John Armleder est bel et bien ici la réalisation de cette installation de Jacques Garcia selon le principe de la délégation, cher à l’artiste.